Composição com instrumentos virtuais
Em 2015, comecei a estudar composição musical a sério. Atualmente, estou trabalhando em adaptações de melodias dos períodos renascentista, barroco e clássico. A longo prazo, espero avançar para a criação de composições musicais.
Meu trabalho se refere principalmente a obras produzidas entre 1500 e 1900, utilizando as convenções mais clássicas.
O que eu faço?
Nesta primeira etapa, estou aprendendo as habilidades que um compositor aprendia no início do século XVIII.
Para isso, escolho peças musicais conhecidas. Analiso sua estrutura e experimento várias variações para compreender a essência da melodia. Isso inspira novas melodias no estilo original, que posso adaptar a um estilo familiar, para uma apresentação posterior dessa peça ou de uma semelhante.
Mas a grande diferença surge nas etapas seguintes.
Todo o meu trabalho é feito em “instrumentos virtuais”, o que nem sempre é fácil.
Atualmente, apenas alguns instrumentos estão prontamente disponíveis para emulação realista. São os teclados comuns e certos instrumentos de sopro, percussão e de cordas dedilhadas. Do Renascimento ao período clássico, os instrumentos mais comuns foram cravo, piano, harpa, violão/alaúde, flauta e alguns instrumentos de sopro. Também há algumas adaptações para órgãos. No uso comum, violinos, violas, violoncelos, muitos trompos, trompetes e vozes humanas artificiais continuam sendo menos do que satisfatórios, sem modificações locais especiais.
A segunda parte é a “masterização”. Trata-se de um procedimento delicado e relativamente técnico. Levei muitos anos para compreender e aplicar corretamente todos os aspectos.
Como primeiro passo, as partituras escritas produzidas pelo MuseScore, Finale, Sibelius ou Dorico frequentemente precisam de ajustes adicionais em velocidade e ritmo. Especificações de dinâmica (mp, mf, f etc.) e andamento (geralmente em semínimas ou mínimas) devem ser fornecidas para cada parte da partitura. Além disso, ao trabalhar com partituras escritas, posso usar transposições mais adequadas aos meus instrumentos ou à composição original.
Depois disso, meu trabalho segue para uma digital audio workstation que transforma a música para consumo público (uma DAW usada para “masterização de uma gravação”). Muitos desejam automatizar essa etapa, mas, até o momento, os resultados têm sido decepcionantes.
Uma DAW oferece estes principais aprimoramentos: (1) posicionamento geográfico dos instrumentos dentro do seu espaço acústico, (2) aprimoramentos nos domínios de frequência que destacam algumas regiões notáveis e preferidas, mantendo outras regiões suficientemente audíveis. (3) Frequentemente, isso significa estabelecer preferências dinâmicas no domínio espectral. Isso permite que alguns instrumentos “ganhem maior presença acústica” ao fornecer temporariamente um reforço adicional à sua região espectral. (4) Ao ajustar adequadamente a duração das notas, em conjunto com a dinâmica local, (5) alongando ou reduzindo a duração entre as notas, de modo a proporcionar uma paisagem tonal crível, (6) por meio de especificações de reverberação apropriadas entre “dry” e “wet”. “Áudio molhado” refere-se a um sinal processado usado para proporcionar a profundidade e a distância desejadas ao seu instrumento, enquanto “áudio seco” é o sinal original não tratado, (7) e por meio da proteção contra harmônicos, a fim de reduzir as chances de tons extremamente altos ou extremamente baixos, ou combinações de tons conflitantes.
Até o momento, não encontrei nenhum instrumento capaz de realizar todas essas manipulações automaticamente e, por isso, faço esses ajustes separadamente para cada composição.
Isso, em resumo, descreve o trabalho necessário no DAC para cada composição.
Por quê?
O NeoClassix.info é um serviço totalmente gratuito que promovo pelas seguintes razões.
1. Criações musicais inovadoras. Por exemplo, as melodias originais de Turlough O’Carolan eram peças curtas, muitas vezes com menos de uma página. A partir delas, criei e publiquei um conjunto de composições completas.
2. Composições meritórias menos conhecidas. Exemplos no meu site incluem: as composições mais antigas de Antonio Vivaldi, sonatas cuidadosamente selecionadas dentre as 555 obras de Domenico Scarlatti e obras raramente ouvidas de John Dowland.
3. Uso dos melhores instrumentos virtuais compatíveis com a web disponíveis. No NeoClassix, as partituras musicais são lidas, analisadas e, em seguida, transformadas em forma musical. Isso muitas vezes exige muito trabalho e experimentação antes que seja possível obter uma execução agradável.
O NeoClassix utiliza os melhores equipamentos musicais disponíveis.
4. Masterização. Como o NeoClassix trabalha a partir de partituras escritas, é necessária uma preparação muito detalhada. Isso é bem diferente da gravação musical tradicional. No nosso caso, os instrumentos devem traduzir uma série de símbolos musicais em texto audível. Isso envolve uma série de dependências sequenciais que são diferentes para a produção de uma a quatro vozes, em comparação com a realização de um grupo orquestral completo.
Nossos instrumentos são bastante limitados. Gravações de som do alaúde em transmissões de rádio e TV, por exemplo, podem utilizar conjuntos especiais de microfones, enquanto há poucos ou nenhum instrumento utilizável para simular um alaúde virtual. Precisamos usar instrumentos que simulem um violão clássico e, após extensas pesquisas, fiquei limitado a um ou dois tipos de violão que podem ser utilizados para nossas simulações de masterização.
5. Futuro. Nosso estilo se limita a um determinado conjunto de ferramentas compatíveis com a tecnologia atual. É isso que estamos usando atualmente no NeoClassix. Isso mudará radicalmente no futuro próximo? Não, mesmo que tivéssemos acesso a muito mais recursos, é improvável que isso mude significativamente. Dada a situação atual, grandes mudanças na tecnologia virtual são mais prováveis daqui a cerca de dez ou vinte anos.
Por que “Neo” e por que “Classix”?
“NeoClassix” deixa isso explícito. Tenho uma escolha. Ou crio uma gravação moderna com o máximo de distinção e vitalidade possível usando as melhores ferramentas de áudio disponíveis. Mesmo que a partitura original tenha sido composta entre 1500 e 1900, minhas gravações, feitas no século XXI, podem soar bem diferentes do que os compositores originais teriam sido capazes de produzir com seus próprios instrumentos (por exemplo, o que Mozart ouvia com seu piano antigo, ou o que F. Sor ouvia com seus violões antigos). Essa é a lógica básica por trás do “NeoClassix”, que você encontra em todo o meu site. Isso também coincide com o desejo da maioria dos meus ouvintes.
Como alternativa, tenho algumas ferramentas — duas simulações de cravo e uma simulação de órgão — que me permitem criar sons que poderiam ter existido na época original. Além das versões para cravo de Vivaldi, você talvez queira ouvir as gravações de J.S. Bach, feitas com uma simulação de órgão moderno. Essas gravações podem ser consideradas “ecos credíveis do passado”, ou seja, são criações para as quais os próprios compositores poderiam ter ouvido interpretações muito semelhantes.
O padrão de 440 Hz
Em outro nível, devemos abordar a transição de 432 Hz (etc.) para 440 Hz.
440 Hz foi padronizado em 1955 pela Organização Internacional de Padronização e foi formalizado em 1975 como ISO 16. Atualmente, 440 Hz é a frequência-padrão em todo o mundo.
As frequências-padrão anteriores foram investigadas em vários estudos detalhados. Elas ilustram uma grande variedade de tons dominantes que estavam em uso no século XIX e na primeira metade do século XX.
Mas por que 440 Hz se tornou um padrão tão dominante? Uma aplicação importante e cotidiana foi o crescimento da produção industrial de instrumentos de sopro após a Segunda Guerra Mundial. Por exemplo, flautas industriais, clarinetes, oboés, fagotes, trompas, trompetes e trombones precisam ser fabricados com uma frequência de referência fixa. Atualmente, essa frequência é geralmente 440 Hz; instrumentos de sopro alternativos que não utilizam 440 Hz ainda são possíveis, mas simplesmente não são comercialmente interessantes.
É possível “retornar” aos 432 Hz (ou outras frequências básicas) por meios eletrônicos? Sim, já tentei isso várias vezes, especialmente com as melodias de Turlough O’Carolan. Mas os resultados dessas experiências foram muito claros: a versão em 440 Hz era mais poderosa, mais “cativante” e mais “envolvente” do que a versão em 432 Hz.
Para minha própria escolha “NeoClassix”, mantive-me, portanto, geralmente com a versão de 440 Hz.
O padrão MP3 versus formatos sem perdas
Em 2024 e 2025, fizemos experiências com o formato FLAC sem perdas, que era o mais avançado na época. A partir de 2026, decidimos voltar exclusivamente ao formato MP3. Isso teve os seguintes efeitos:
-- Uma versão totalmente satisfatória de uma melodia, gravada em MP3 de acordo com os melhores padrões de engenharia, quase não se distingue, em termos de qualidade percebida, de uma gravação FLAC sem perdas.
-- No entanto, nosso MP3 de “melhor qualidade” utiliza apenas 320 kbits em suas gravações a 44,1 kHz, enquanto nossa gravação em FLAC utilizava consideráveis 3.072 kbits a uma taxa de amostragem de 1.920,0 kHz. Dada a diferença mínima de qualidade perceptível que ouvimos, esse enorme esforço extra para um formato sem perdas pareceu injustificado.
-- O preço dessa experiência foi pago na forma de uma complicação adicional para o usuário e de um custo extra considerável para nós, provedores. Foi uma experiência interessante, mas que não deve ser prolongada inutilmente.
-- Internamente, em nossos preparativos para o DAC, continuamos a usar o formato FLAC. O eficiente formato MP3 é utilizado apenas para fins externos na web.
Vamos aproveitar as soluções eficientes que temos agora.
Eric Keller
2026