Composer avec des instruments virtuels
En 2015, j'ai commencé à étudier sérieusement la composition musicale. Je travaille actuellement sur des adaptations de mélodies de la Renaissance, du baroque et de la période classique. À plus long terme, j'espère progresser vers la création de compositions dans la forme sonate.
Mon travail ne concerne que les œuvres produites principalement entre 1500 et 1900, en utilisant la plupart des conventions classiques.
Qu'est-ce que je fais ?
Dans un premier temps, j'apprends les techniques qu'un compositeur apprenait au début du XVIIIe siècle.
Pour cela, je choisis des morceaux de musique familiers. J'analyse leur structure et j'expérimente diverses variations pour comprendre l'essence de la mélodie. Cela m'inspire de nouvelles mélodies dans le style original que je peux adapter à un style familier pour une interprétation ultérieure de ce morceau de musique ou d'un morceau similaire.
Mais la grande différence se situe au niveau des étapes suivantes.
Tout mon travail se fait sur des "instruments virtuels", ce qui n'est pas toujours facile.
A l'heure actuelle, seuls certains instruments sont facilement disponibles pour une émulation réaliste. Il s'agit des claviers courants et de certains instruments à vent, à percussion et à cordes pincées. De la Renaissance à la période classique, les instruments les plus courants sont les clavecins, les pianos, les harpes, les guitares/luths, les flûtes et certains instruments à vent. Il existe également des adaptations pour les orgues. Dans l'usage courant, les violons, altos, violoncelles, cors, trompettes et voix humaines artificiels restent peu satisfaisants, sans modifications locales particulières.
La deuxième partie est le "mastering". Il s'agit d'une procédure délicate et relativement technique. Il m'a fallu de nombreuses années pour en comprendre et en appliquer correctement tous les aspects.
Dans un premier temps, les partitions écrites produites par MuseScore, Finale, Sibelius ou Dorico ont souvent besoin d'être retravaillées au niveau de la vélocité et du rythme. Les spécifications de dynamique (mp, mf, f, etc.) et de tempo (souvent en noires ou demi-notes) doivent être fournies pour chaque partie de la partition. Lorsque je travaille avec des partitions écrites, j'utilise également des transpositions qui conviennent mieux à mes instruments ou à la composition originale.
Ensuite, mon travail passe par une station de travail audio numérique qui transforme la musique pour la rendre accessible au public (un DAW [digital audio workstation], une station de travail audio numérique utilisée pour "masteriser un enregistrement"). Beaucoup souhaitent automatiser cette étape, mais jusqu'à présent les résultats ont été décevants (par exemple dans MuseScore 4).
Un logiciel d'enregistrement apporte les principales améliorations suivantes (1) le placement géographique des instruments dans votre espace acoustique, (2) l'amélioration des domaines de fréquences qui favorisent certaines régions notables et préférées, tout en gardant d'autres régions suffisamment audibles, (3) l'ajustement adéquat de la durée des notes, en conjonction avec la dynamique locale, (4) l'allongement ou la réduction des durées entre les notes, de manière à fournir un paysage tonal crédible, (5) des spécifications de réverbération appropriées entre "sec" et "humide". Le terme "wet audio (humide)" fait référence à un signal traité utilisé pour donner la profondeur et la distance souhaitées à votre instrument, tandis que le terme "dry audio (sec)" désigne le signal original non traité, (6) et la protection contre les harmoniques, afin de réduire les risques d'obtenir des sons extrêmement aigus ou extrêmement graves.
Jusqu'à présent, je n'ai pas trouvé d'instrument capable d'effectuer toutes ces manipulations automatiquement, et j'effectue donc ces réglages séparément pour chaque morceau d'une composition. Voilà en résumé le travail que j'effectue pour chaque composition.
Pourquoi ?
NeoClassix.info est un service totalement gratuit que je promeus pour les raisons suivantes.
1. Des créations musicales inédites. Par exemple, les mélodies originales de Turlough O'Carolan étaient courtes, souvent moins d'une page. À partir de là, j'ai créé et publié un ensemble de compositions complètes.
2. Des compositions méritoires moins connues. Les exemples sur mon site web ont été : les premières compositions d'Antonio Vivaldi, des sonates hautement sélectionnées parmi 555 œuvres de Domenico Scarlatti, et des œuvres rarement entendues de John Dowland. Je travaille actuellement à la production d'une série d'œuvres de Fernando Sor.
3. Utilisation des meilleurs instruments virtuels disponibles sur le web. Pour NeoClassix.info, les partitions musicales écrites sont lues, analysées et ensuite mises en œuvre sous forme musicale. Cela nécessite souvent beaucoup de travail et d'expérimentation avant qu'une performance agréable ne soit possible. NeoClassix.info utilise le meilleur équipement musical disponible.
4. Mastering. Comme NeoClassix.info travaille à partir de partitions écrites, une préparation détaillée est nécessaire. C'est très différent de l'enregistrement musical traditionnel. Dans notre cas, les instruments doivent traduire une série de symboles musicaux en texte audible. Cela implique une série de dépendances sérielles qui sont différentes pour la production d'une, deux ou trois voix, par rapport à la réalisation d'un groupe orchestral.
Nos instruments sont plutôt limités. Les enregistrements sonores du luth dans la radiodiffusion, par exemple, peuvent utiliser des microphones spéciaux, alors qu'il n'existe pas d'instruments utilisables pour simuler un luth virtuel. Nous devons utiliser des instruments simulant une guitare classique et, après de longues recherches, je ne dispose que d'un seul type de guitare utilisable pour nos simulations.
5. L'avenir. Notre style se limite alors à un certain nombre d'outils compatibles avec la technologie actuelle. C'est ce que nous utilisons actuellement dans NeoClassix.info. Cela changera-t-il radicalement dans un avenir proche ? Non, même si nous avions accès à beaucoup plus de ressources, il est peu probable que cela change beaucoup. Compte tenu de la situation actuelle, des changements majeurs dans la technologie virtuelle sont plus probables d'ici une dizaine d'années.
Pourquoi « Neo » et pourquoi « Classix » ?
« NeoClassix » est explicite. J'ai le choix. Soit je crée un enregistrement moderne avec autant de distinction et de vitalité que possible avec les meilleurs outils audio dont je dispose. Même si la partition originale a été écrite entre 1500 et 1900, mes enregistrements, réalisés au XXIe siècle, peuvent sonner très différemment de ce que les compositeurs originaux auraient pu produire avec leurs propres instruments (par exemple, ce que Mozart entendait avec son premier piano, ou ce que F. Sor entendait avec ses premières guitares). C'est la logique de base de « NeoClassix » que l'on retrouve sur tout mon site. Cela coïncide également avec le souhait de la majorité de mes auditeurs.
Par ailleurs, je dispose de quelques outils -- deux simulations de clavecin et une simulation d'orgue -- qui me permettent de créer des sons qui auraient pu exister à l'époque originale. Outre les versions pour clavecin de Vivaldi, vous souhaiterez peut-être écouter les enregistrements de J.S. Bach, réalisés avec une simulation d'orgue moderne. Ces enregistrements peuvent être considérés comme des « échos crédibles du passé », c'est-à-dire qu'il s'agit de créations pour lesquelles les compositeurs auraient pu entendre eux-mêmes des interprétations très similaires.
La norme des 440 Hz
À un autre niveau, il convient d'aborder le passage de 432 Hz (etc.) à 440 Hz.
Le 440 Hz a été normalisé en 1955 par l'Organisation internationale de normalisation, et elle a été officialisée en 1975 sous le nom d'ISO 16. Le 440 Hz est aujourd'hui la fréquence clé par défaut dans le monde entier.
Les fréquences clés antérieures ont fait l'objet de plusieurs études détaillées. Elles illustrent une grande variété de tonalités dominantes utilisées au XIXe siècle et dans la première partie du XXe siècle.
Mais pourquoi le 440 Hz est-il devenu une norme aussi dominante ? Une application importante et quotidienne a été la croissance de la production industrielle d'instruments à vent après la Seconde Guerre mondiale. Par exemple, les flûtes, clarinettes, hautbois, bassons, cors, trompettes et trombones industriels doivent tous être construits avec une fréquence de référence fixe. Aujourd'hui, cette fréquence est généralement de 440 Hz ; il est toujours possible de fabriquer des instruments à vent autres que ceux à 440 Hz, mais ils ne sont tout simplement pas intéressants d'un point de vue commercial.
Est-il possible de « revenir » à 432 Hz (ou à d'autres fréquences de base) par des moyens électroniques ? Oui, j'ai essayé plusieurs fois, notamment avec les mélodies de Turlough O'Carolan. Mais les résultats de ces expériences étaient très clairs : la version 440 était plus puissante, plus « accrocheuse » et plus « impliquante » que la version 432. Pour mon propre choix « NeoClassix », j'en suis donc généralement resté à la version 440 Hz.
Apprécions ce que nous avons maintenant.
Eric Keller
Responsabilités 1978-2008: https://erickeller.ch